11月艺术之旅｜法国 德国 意大利 西班牙 荷兰 瑞士 丹麦 挪威
继“浪漫巴黎：1815-58”和“娱乐之都：1900”之后，小皇宫将为观众献上现代巴黎三部曲中的最后一部 —— “现代巴黎：1905-1925”。从“美好年代”到“咆哮的二十年代”，巴黎比以往任何时候都更加吸引世界各地的艺术家。这座国际大都市既是蓬勃发展的创新之都，也是具有巨大文化影响力的聚集地。此次展览汇集了近四百幅艺术大师作品；其中还包括保罗·波瓦雷和让娜·朗万的服装设计、卡地亚的珠宝首饰、布尔歇航空航天博物馆的一架飞机，甚至还有从穆尔豪斯国家汽车博物馆借来的一辆汽车。通过时装、电影、摄影、绘画、雕塑、素描，以及舞蹈、设计、建筑和工业品，本次展览展示了1905-1925年期间人类丰富的创造力。展览按时间和主题策划，其独创性来自于展览主要关注的地理区域，即香榭丽舍大街（Champs élysées）。该地区是名副其实的现代主义摇篮和中心，在当时，大皇宫每年都会举办最新的艺术创作沙龙（Salon d'Automne）和独立沙龙（Salon des Indépendants）。第一次世界大战期间，小皇宫发挥了重要的爱国主义作用，展出了在冲突中受损的艺术作品，并举办了“Mimi Pinson”比赛。1925 年，它还举办了国际现代装饰和工业艺术展，展出了令人兴奋的传统、装饰艺术和国际前卫作品。战后，克莱伯大道（Avenue Kléber）上的“无忧画廊”（Galerie Au Sans Pareil）向达达（Dada）和超现实主义（Surrealist）艺术敞开大门。在蒙田大道（Avenue Montaigne）上的香榭丽舍大街剧院（Théatre des Champs-élysées），俄罗斯芭蕾舞团和后来的瑞典芭蕾舞团一直到1924年都在这里上演芭蕾舞剧。在这段“现代巴黎”的历史中，发生了许多“意外”和戏剧性事件。艺术生活中的丑闻也在此有所涉及，现代性吸收了所有这些丑闻，其中许多丑闻也成为某些艺术家获得崇高地位的关键原因。现代性还涉及技术和工业领域的进步，随着自行车、汽车和飞机的发展，速度成为了最重要的因素。整个展览都突出了妇女在这一时期的作用：从1905到1925年，法国社会经历了剧烈的社会动荡，作为女性解放的象征，艳舞女郎的形象在维克多·玛格丽特（Victor Margueritte，1866-1942）1922年的小说中永垂不朽；约瑟芬·贝克（Josephine Baker，1906-1975）身材矮小，腰身纤细，是这种自由的化身，贝克只是法国社会日益壮大的多元文化运动中的一个人物。巴黎是各国艺术家和游客的灯塔，是名副其实的“世界国际之都”。
Musée du quai Branly - Jacques ChiracVISIONS CHAMANIQUES: Arts de l'Ayahuasca en Amazonie péruvienne展览以死藤水（l’ayahuasca）为案例，探讨了围绕幻觉图像和图标制作之间关系的当代话题。
Musée des Arts décoratifsLE JAPON EN COULEURS. PHOTOGRAPHIES DU XIXE SIèCLE装饰艺术博物馆收藏了近700幅“横滨写真“（Yokohama Shashin）风格的手工彩色照片。这些照片描绘了风景、纪念碑、日常生活、戏剧场景以及肖像，传达了对“旭日之国“的固有印象。每张照片都是单独手工上色，使色调和主题更加微妙而富有策略性。这一类型的近代摄影大师包括费利斯·贝托（Felice Beato，1832-1909，意大利）和雷蒙德·冯·斯蒂尔弗里德（Raimund von Stillfried，1839-1911，捷克），他们与日下部金兵卫（Kusakabe Kimbei，1841-1934）并肩前行，日下部金兵卫是当时日本最重要的摄影师，他在横滨的工作室工作。金兵卫不仅制作版画和用照片装饰的物品，还制作了丝绸和漆器相册，以迎合西方收藏家的需求。这些照片分别由雷蒙德·科赫林（Raymond Koechlin，1860-1931）、雨果·克拉夫特（Hugues Krafft，1853-1935）和古斯塔夫·斯伦贝谢（Gustave Schlumberger，1844-1929）于1903、1914和1929年捐赠，它们既是收藏品，也是灵感和知识的源泉。其中许多照片将首次展出，并附有Volonté d'art editions出版社的出版物。LA MAISON POUR TOUS. UNE PHOTOGRAPHIE SOCIALE DANS LES ANNéES 80在法国，自第二次世界大战结束以来，关于城市政策及其如何影响生活水平的争论就一直没有停止过。从1983年开始，在展览策展人兼传播总监马克·内特（Marc Netter）的授意下，阿尔卑斯-马里提姆地区（Alpes-Maritimes）的摄影师们拍摄了这种并置关系。这些摄影证据捕捉了人类生存的重要时刻，从童年到老年，从扫大街的工人到房地产经纪人，从牧师工作到家庭日常，以及介于两者之间的一切；社会摄影描绘了法国的生活。这套由500多张照片、联系表和文件组成的藏品于2023年被装饰艺术博物馆收藏，为所有人提供了公共和私人空间的视角。IRIS VAN HERPEN: SCULPTING THE SENSES伊丽丝·凡·赫本（Iris van Herpen，1984）是将新技术应用于设计领域的先驱，她超越了传统的服装规范，同时将传统的高级定制工艺和创新技术融为一体。展览从微观到宏观，对人体在空间中的位置、人体与服装及其环境的关系，以及人体在瞬息万变的世界中的未来提出质疑；展览中，凡·赫本的百余件高级时装作品将与当代艺术作品进行了对话。伊丽丝·凡·赫本出生于1984年，在荷兰瓦梅尔（Wamel）村长大，与大自然和生命世界和谐相处，这与她自幼深入练习的古典舞一起，成为她与身体和服装关系的基础元素。她于2007年在阿姆斯特丹创立了“Iris van Herpen“时装工作室，将精妙的手工艺与开拓创新的精神相结合，将自己的实践分解并向其他学科开放，从而产生了捕捉自然世界错综复杂和多样性的感官设计。四年后，她加入了巴黎高级时装工会（Chambre Syndicale de la Haute Couture in Paris）。2010年是她职业生涯的转折点：她推出了自己的第一件3D打印礼服。伊丽丝·凡·赫本将时尚视为一种跨学科语言和动态实体，是艺术、化学、舞蹈、物理、建筑、生物、设计和技术等不同领域交叉渗透的结果。通过与各领域的创意者和思想家合作，她试图挑战我们对高级时装的概念。意识到时代的问题，在过去的几年里，她一直致力于采用对生态负责的制造方法，一些用回收塑料或3D打印制成的作品就是明证。2012年，格罗宁根博物馆为她举办了首次大型展览。如今，伊丽丝·凡·赫本已被国际公认为同时代最杰出、最令人惊讶的时装设计师之一。她对慢时尚的承诺和深思熟虑使她的多学科设计超越了固有界限，激发了我们对时尚关系的重新认识，并扩展了想象力领域。这次回顾展围绕九个主题，展示了她融合时尚、当代艺术、设计和科学的作品精髓。作为展览的开场，水和生命起源的主题在这位设计师的作品中无处不在；展览的最后，伊丽丝·凡·赫本的作品仿佛投射在浩瀚的宇宙中，她的裙子在天空中翩翩起舞，身体在时空中漂浮。展览在三个空间中落下帷幕：伊丽丝·凡·赫本的工作室，参观者可以通过数百件材料样品沉浸在工作室的制作过程中；奇珍橱柜，展示了她的配饰（鞋子、面具和发型用品），以及自然科学元素和视频；还有一个房间，通过设计师的时装秀视频来赞美活生生的移动身体。
极度紧张，政治与社会之间的艺术：国家美术馆收藏 1945-2000Extreme Tension. Art between Politics and Society: Collection of the Nationalgalerie 1945 – 2000几乎没有任何一个时代能像第二次世界大战后这样充满分裂和变革。有鉴于此，新国家美术馆有意识地选择了“极端紧张“作为即将展出的战后作品集的标题。新国家美术馆将以金特·布鲁士（Günter Brus，1938，奥地利）的激进表演《压力测试》（Stress Test）为出发点，展示政治与社会之间的紧张关系对战后艺术的巨大影响。此次展览将展出来自西德、东德、西欧和美国的重要作品，并探讨20世纪的核心艺术和社会主题，包括现实主义与抽象主义、政治与社会、日常生活与流行文化、女权主义，以及自然与生态。作品的背景来自信息艺术运动和美国色域绘画、波普艺术和极简主义，以及观念艺术。此外，还有一些不知名艺术家也将加入到展览之中。
IMMANUEL KANT: UNRESOLVED ISSUES2024年4月22日是伟大的德国哲学家伊曼纽尔·康德（Immanuel Kant，1724-1804）诞辰300周年。时至今日，康德对启蒙运动的开创性贡献，以及他在伦理学、认识论和国际法等思想领域仍然具有重要的参考意义。该展览旨在向普通观众，尤其是不一定具有扎实哲学基础的年轻参观者介绍他的作品。康德著名的四个问题：“我能知道什么？”、“我应该做什么？”、“我能希望什么？”、“人是什么？” 构成了该展览的主题。高质量的绘画、图形、科学仪器、地图和手稿将启蒙运动的中心主题形象化。与此同时，历史人物伊曼纽尔·康德、他所处的环境和他的人际网络将成为展览的焦点。康德的传记与他生活了73年的柯尼斯堡（今俄罗斯加里宁格勒）的城市环境密切相关。作为当时的知识中心，普鲁士王室在整个德国和欧洲留下了印记。这就是为什么我们要通过虚拟重建让1944/45年被完全摧毁的巴洛克之城柯尼斯堡重新焕发活力。VR站让游客进入伊曼纽尔·康德的世界进行一场想象之旅成为可能。
慕尼黑国家图形美术馆（Staatliche Graphische Sammlung München，SGSM）将于2024年1月18日举办展览“发自内心“（From My Heart），来纪念奇奇·史密斯（Kiki Smith，1954）的特殊生日。慕尼黑博物馆与这位纽约艺术家有着密切联系，因为史密斯自2015年以来一直持续将她的版画作品捐赠给SGSM。基于这种慷慨和自由姿态，SGSM现在拥有国际上最庞大的奇奇·史密斯版画收藏量。在奇奇·史密斯的整个职业生涯中，人类存在的问题（物质的和形而上的）一直是她创作的焦点。为了更好地了解人体，她在20世纪70年代末的早期工作中研究了人体功能和身体部位。作为最早的当代艺术家之一，她开创了这一主题。有一些器官吸引了她的注意，其中之一就是心脏。通过关注心灵的主题，博物馆庆祝了与琪琪史密斯的密切联系，同时提供了她深刻作品的独特而集中的视角。通过选定这个主题，参观者可以感受到艺术家对于形式和理论的考虑 —— 关于人类生存的基本问题正在逐渐被提出和探索。
“梅雷迪思·蒙克：呼唤”是迄今为止对这位著名美国艺术家最全面的调查，展示了其过去60年的作品。梅雷迪思·蒙克（Meredith Monk，1942，生于纽约）无缝地跨学科工作，突破了音乐、戏剧、舞蹈、视频和装置的界限，同时不断探索人声的唤起力量和维度。她被认为是特定场地表演的开创性人物，而其跨学科方法对后辈艺术家和表演者也产生了重大影响。虽然蒙克在音乐和戏剧界已得到广泛认可，但此次在艺术之家举办的展览是她在欧洲第一次全门展示其沉浸式作品。该展览汇集了她多感官、创新装置中的主要作品，体现了其在整个职业生涯中所采用的跨学科方式。
FIGURE AND LANDSCAPE: Nineteenth-Century Art from two Private Hamburg Collections在“人物与景观”展览中，汉堡美术馆将展出两位汉堡私人藏家收藏的19世纪艺术作品，作品以理想的方式相得益彰。这些借展的精美艺术品隐藏在私人收藏当中，揭示了收藏家的个人喜好，其中包括由意大利、法国、德国和一些英国艺术家使用多种技术创作的令人印象深刻的风景画和人物画。展览将展出大约100幅素描、水彩画、粉彩画和小型画作，其中包括几幅迷人的油画作品，创作时间从18世纪末到20世纪初。
Museum für Kunst und Gewerbe HamburgMK&G展览将展示当代艺术和工艺的最新趋势，包括年轻和知名的职位、国际趋势，以及来自陶瓷，玻璃艺术和珠宝设计等不同设计学科的新鲜观点。作为一个国际性论坛，MK&G展会为广大观众提供高设计和高工艺质量的工艺品。配套的公共项目涉及当代工艺美术的最新问题。2023年，入选的新兴工匠将首次受邀在MK&G展览会上展示他们的作品，这是2022年启动的“青年人才”（Young Talents）类别的一部分。设计重点将由专门为该空间设计的展会建筑来确定。在MK&G展览期间，著名艺术家兼珠宝设计师玛格丽特·雅施克（Margit JJschke）将在“当代工艺”（Contemporary Craft）展览系列中举办大型个展。
CONTEMPORARY CRAFT: Margit JJschke – KairosMK&G于2022年启动的“当代工艺”系列展览的第二期将展示屡获殊荣的艺术家玛格丽特·雅施克（Margit JJschke，1962）30年来的作品。 雅施克将自己描述为不同艺术世界之间的漫游者，创作了一系列完全原创的作品，跨越了珠宝、装置、绘画和雕塑之间的界限。她不区分可穿戴珠宝和自主艺术品，因此可以在她的珠宝中找到图形元素，而相反，珠宝成为她绘画和拼贴画的一部分。新的展览系列 —— “当代工艺”，每年与MK&G展览一起展出，聚焦国际主要艺术家和工匠的作品，旨在提高工艺在当代话语中的地位，同时超越艺术与工艺之间的传统界限。INSPIRING JAPAN: The Walter Gebhard CollectionMK&G通过全新的东亚系列展示，颂扬了日本艺术和手工艺不间断的灵感力量：首次展示江户时代（1615-1868）的绘画、佛教书法，以及来自2021年收购的沃尔特·格布哈德（Walter Gebhard）私人收藏。展览在两个楼层展示了日本美学：在第一部分，画作与现有收藏中的陶瓷、漆器、竹篮、珐琅和剑装进行对话；在第二部分，通过绘画和木版画提供了对东亚花鸟世界的诗意洞察。此次展览拉开了东亚藏品全面展示的序幕，不断变化的创新展示形式将在未来提供对收藏的动态访问。
Modigliani: Moderne Blicke阿梅代奥·莫迪利亚尼（Amedeo Modigliani）于1920年去世，享年35岁，尽管他英年早逝，却留下了大量雕塑和绘画作品。在其艺术生涯中，他几乎完全地把自己献给了世人。他的肖像画和他的女性裸体画一样出名，尽管一百年来它们一直属于现代艺术的典范，但今天它们的女性形象再次引发了人们的质疑。展览将展示这位意大利艺术家的约50幅绘画和纸上作品，以及他所在巴黎时期其他艺术家的作品，其中包括：古斯塔夫·克里姆特（Gustav Klimt）、埃贡·席勒（Egon Schiele）、威廉·莱姆布鲁克（Wilhelm Lehmbruck）等艺术大师。当我们重新发现莫迪利亚尼艺术的非凡特征时，惊人的相似之处就会显露出来。PAC Padiglione d'Arte Contemporanea诺兰·奥斯瓦尔德·丹尼斯：追溯4[3]个世界，背景墙项目Nolan Oswald Dennis：a recurse 4 [3] worlds，Back wall project格拉谢拉·萨科（Graciela Sacco，1956-2017），《博卡纳达》（Bocanada），1993，版画，每幅50x70cm。本次展览展出了20多位不同年代的阿根廷艺术家在过去50年中创作的精选作品。通过雕塑、装置、摄影、录像和表演，策展项目沿着3条轴线展开 —— 反讽、字面意义和引用，展示了表现在过去和今天都经常以暴力形式为特征的文化的不同方法。在阿根廷和世界其他地方，这些情况和态度克服了各种偶然因素，成为一个关于未来和社会斗争的问题。阿根廷多年来一直是欧洲大移民的主要目的地，而此次展览则是一个多元化的项目，试图讲述和展现这个国家的许多不同方面和其他表现形式。Gego. Midiendo el infinito2023年秋季，毕尔巴鄂古根海姆博物馆将举办德国-委内瑞拉艺术家格戈（Gego，Gertrud Goldschmidt，1912-94）的作品回顾展。这次按时间顺序进行的巡回展览将追溯这位艺术家通过其有机形式、线性结构和对空间的系统研究而形成的独特抽象方法的演变过程。展出的作品包括20世纪50年代初至90年代初的雕塑、素描、版画、艺术家书籍和纺织品。格戈是20世纪下半叶拉丁美洲最重要的艺术家之一。她于1939年在德国接受建筑和工程学培训，为躲避纳粹迫害移居委内瑞拉，并在那里开始了自己的艺术生涯。此次展览将突出格戈对现当代艺术在形式和概念上的重要贡献，强调她与几何抽象、动感艺术、极简主义和后极简主义等跨国艺术运动的互动。此次展览是在墨西哥城Jumex博物馆、纽约所罗门·R·古根海姆博物馆和毕尔巴鄂古根海姆博物馆举办的大型巡展的一部分。
Museo Nacional Centro de Arte Reina SofíaPicasso 1906: The Turning Point巴勃罗`毕加索，《双手合十的裸体》（Nude with Joined Hands），1906。展览“毕加索 1906：转折点”旨在从当代审美意识的角度审视这位艺术家对“现代艺术“定义的贡献。迄今为止，毕加索（Pablo Picasso）在1906年的作品一直被理解为玫瑰时期（Rose Period）的尾声或《亚维农的少女》（Les Demoiselles d'Avignon）的序幕。但通过今天的视角，我们可以看到，1906年在毕加索的创作演进过程中本身就是一个“时期“。1906年，年仅25岁的毕加索还是一位年轻的艺术家，但他的审美观已经成熟。摆脱了波希米亚和悲观主义的束缚，其作品充满了生命力和扩张力，甚至是感性色彩。他将朝着自由主义的方向发展，并渴望重新建立艺术经验。他得到了经销商和收藏家的支持，并与一群当代创作者建立联系，他注重作品的“程序性“，寻找”原始“，并在身体、形式和跨文化这三个方面发展自己的实践。毕加索将诗意的“阿卡迪亚青春期“（representation of Arcadian）作为新开始的象征来表现。画中的身体获得了自身的解放。艺术家直接探索了视觉驱动力的力量，以及它与不眠不休的女性亲密关系之间的关联。他将乡土描绘成起源的神话，而他当时的伴侣费尔南德·奥利维耶（Fernande Olivier，1881-1966）的形象痕迹则被用作造型语言实验的支撑点。毕加索能够创造出一般的表象，并引导它们达到合成表意文字的质量。同时，他还重新定义了人物和地面的框架，提出了一种新的模仿意识，并在雕塑形式中发展了物质和触觉概念。他快节奏的转变在1907年初的几个月达到顶峰，在他的大量作品中，他与格特鲁德·斯坦因（Gertrude Stein，1874-1946）的对话至关重要。在寻找原始的过程中，艺术家寻求与当时被认为是“原始“的文化中的艺术充分结合。这一现象在1906年，而非之前认为的1907年转化为一种诗意，它并不代表对固定模式的固守，而是试图杂交和定位一种相当于原始“共同语言“的东西。毕加索的文化参照点，除了伊比利亚艺术和所谓的“新艺术“之外，还有加泰罗尼亚的罗马式艺术、史前地中海艺术和古埃及艺术等等。正如毕加索自己所解释的那样，他所接受的参照物并不仅仅是形式上的细节，而是作为行动的、非异化的文化组成部分，以集体仪式为框架，并被赋予了与超验事物相关的强大能力。我们有必要很好地理解这种艺术创作，因为有时实际上是艺术家的作品本身使他遇到了 ”原始“；而有时又是”原始“激发了他的创作。这是一种辩证的关系。毕加索的跨文化性还可以从其他方面来理解。这位艺术家的传记中包含了强大的经验位移。毕加索意识到了性别的“他者性”，并特立独行地参与了同性恋和“人种学“摄影，提出了新的人体测量模式。他还利用报刊和通俗绘本。在理解视觉记忆的方式中，他抨击了不合时宜的观念，保留了继承艺术史的底蕴，几乎是在当代意义上引用和挪用。正是基于这种文化、原始语言和博物馆记忆之间的复杂关系，使得1906年的毕加索独树一帜，也是他与现代艺术的第一次决定性接触。Ulla von Brandenburg: Spaces of a Sequence乌拉·冯·勃兰登堡展览现场。2020年，巴黎东京宫的展览“中间为蓝色”（Le milieu est bleu）。德国艺术家乌拉·冯·勃兰登伯格（Ulla von Brandenburg，1974）的作品源自她早年接受的舞台设计训练和短暂的戏剧生涯，这是她创作的两大基石。她的作品采用多种媒介和技术 —— 装置、电影、壁画、表演，体现了她对舞台语言的缜密掌控，并将心理分析、魔术和神秘仪式等其他领域的兴趣融合其中，以探究社会结构并提出新的替代方案。冯·勃兰登伯格的装置作品产生了主观空间，使观众沉浸在现实与虚构之间的悬浮之地。艺术家将曾经不可逾越的“第四面墙“重新定义，她经常使用窗帘和帷幔，与其说是与参观者划清界限，不如说是鼓励他们参与到作品中来，成为场景的一部分。因此，她所倡导的艺术概念更具渗透性，等级更低，鼓励观众与演员之间的交流。歌德（Wolfgang von Goethe）的理论赋予色彩以情感和现象学的特质，驳斥了艾萨克·牛顿（Isaac Newton）的理论以及他关于色彩仅仅是物理学的说法。位于雷蒂罗公园（Retiro Park）的委拉斯开兹宫（Palacio de Velázquez）成为该艺术家新装置艺术的理想场所，参观者在此有意识地深入空间，激活个人与集体交织的舞台，提醒我们生活就是一个剧场，每个人都可以选择自己想要扮演的角色。在这次展览中，艺术家在展览结构中加入了她的部分电影作品，其中大部分都是用一个长镜头录制的，以鼓励观众在这个新的空间和重叠的故事中移动。Stedelijk Museum AmsterdamMARTIN WONG: MALICIOUS MISCHIEF大型展览"黄马鼎: 恶意恶作剧"展出了美籍华裔艺术家黄马鼎（Martin Wong，1946-99）的作品。展览涵盖了绘画、素描、陶瓷、雕塑以及个人纪念品等广泛领域。黄马鼎的创作借鉴并融合了多种视觉语言，包括中国图腾、肖像、风景、“城市诗歌”、涂鸦和手语。他对20世纪70至90年代美国社会、性和政治场景的描绘广受认可，他将同性恋者的生存、边缘社区和城市绅士化的叙事交织在一起。作为与当时艺术界反动言论相左的重要反文化声音，他的作品让人们了解了美国近代史的决定性时期。作为一名城市记录者和批判性的观察者，黄以诗意的方式描绘了社会现实主义，同时开辟了美丽和包容的空间。在这些空间中，现有的阶级、种族和性取向等社会关系可以被重新考虑和塑造。"黄马鼎: 恶意恶作剧"以艺术家的艺术自传为指导，分专题展示 —— 包括黄氏的多层次世界，可从他早期的绘画、诗歌和雕塑作品中窥见一斑，这些作品创作于20世纪60和70年代初的旧金山和加利福尼亚州尤里卡，他是在那里长大的独子，父母都是在美国出生的华人；20世纪80和90年代，他在纽约下东区生活期间创作的关于破旧纽约市的标志性绘画作品；以及他在因艾滋病过早去世之前创作的关于东西海岸唐人街意象的回忆性作品。Hannah HHch: Assembled Worlds汉娜·霍克，《飞行》（Flucht/Flight），1931，拼贴画、照片蒙太奇，23x18.4cm。达达主义画家汉娜·霍克（Hannah HHch，1889-1978）是上世纪20年代德国先锋派的核心人物。她被认为是拼贴画和摄影蒙太奇的创始者之一。霍克用剪刀和胶水“武装“自己，以讽刺和诙谐的手法，利用摄影拼贴来探索图像的力量。本次展览探讨了霍克与现代视觉文化的邂逅，尤其是她对电影和摄影的痴迷。展览展现了前卫艺术的多面图景：汉娜·霍克的约60幅摄影蒙太奇作品与她同时代艺术家的大量电影、艺术作品和文献一起展出，这些艺术家包括库尔特·施维特斯（Kurt Schwitters）、拉斯洛·莫霍利-纳吉（László Moholy-Nagy）、曼·雷（Man Ray）和马克斯·恩斯特（Max Ernst），展示了霍克在战争年代及其后是如何发展和完善摄影蒙太奇。Louisiana Museum of Modern Art人工智能（AI）时代的创造力条件是什么？我们是否会担心人工智能最终会取代并超越人类自身的创造能力？本次大型展览试图从广阔的人文视角出发，结合艺术、文学、文化史、科学等方面，对创造力现象进行辨析。在“不可替代的人类 —— 人工智能时代的创造力条件“中，路易斯安那博物馆举办了又一次将艺术与其他学科的物品相结合的展览。展览的目的是让人们看到一种想法、一种现象或一个世界，它们以不同的方式影响着我们作为人类的自我意识。此前在该博物馆举办的此类展览包括：“北极”（Arctic，2013）、“月亮“（The Moon，2018）和“母亲！”（Mother! ，2021）。“不可替代的人类“试图从广阔的人文视角探讨创造力的本质。这将是一个跨学科的展览，融合了艺术、文学、文化史、社会学和科学。展览不仅着眼于文化领域，而且着眼于整个社会，揭示了创造性过程在每个“落后地区“和各个层面是如何至关重要的。换句话说，这不是对艺术的赞美，而是一个关于创造力价值的调查故事，创造力在实验室和工作室同样重要。创造力可能不在于我们做什么，而在于我们如何做。因此，展览还将探讨社会中我们很少重视的事物的价值，无论是工作生活、教育系统还是我们自己的内心世界。Hand and Machine Architectural drawings近几十年来，爆炸性的技术发展和各种全球性危机给社会留下了深刻印象。这种动荡对建筑师和他们的工作方式有什么影响？展览通过精选的绘画和装置作品探讨了这一问题。展出的最早作品可追溯到2008年全球金融危机时期。在那场动荡之后，年轻一代的建筑师开始更多地从事本地化、集体性和非商业性的工作。展览中最新的绘画作品均出自那些在新冠大流行期间逐渐成名的建筑师之手。技术革新、新软件和计算机影响着建筑师的工作方式。如今，大多数建筑图纸都是在电脑上完成的，而不是手工绘制。展览中的图纸都对计算机美学持批判态度。展览包括约40家挪威和国际建筑公司的图纸。此外，还有由SSstra100、LCLA和Secretary建筑事务所创作的三件装置作品。这些作品探讨了绘画在建筑中的作用以及建筑在社会中的作用。
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